Læsning af forrige kapitel vil gøre denne tekst meget mere forståelig, men hvis du virkelig skal springe den over, Her er lidt kontekst: Jeg besluttede, at den bedste måde at forklare, hvad der er kunst, er at forstå noget historie, noget filosofi og noget teknik.
Ikke fordi det giver dig et klart svar, men fordi det vil give dig en legitim kritisk tænkning. Og så, hvem ved, måske har du endda informerede meninger.
Efter mange århundreder, hvor kunstneriske perioder var defineret af politiske, sociale og økonomiske kontekster frem for individuel smag, skete der en gradvis ændring i, hvordan information blev indhentet og delt.
Den videnskabelige metode cementerede tilegnelsen af viden, og den industrielle revolution ændrede fundamentalt på, hvordan mennesker levede og arbejdede. Den efterfølgende opståen af en middelklasse banede vejen for uddannelse til langt flere mennesker – hvilket gjorde op med noget af den elitisme, der hidtil havde defineret uddannelse.
Man lever længere, man lever bedre, man ved mere, og kreativiteten opstår. Det skete for langt flere mennesker end i tidligere århundreder, der var præget af knaphed, krig og/eller religiøs ekstremisme.
På denne måde blev kunsten mere demokratisk og dermed mere tilgængelig for individuel, personlig og følelsesmæssig udfoldelse.
Zeitgeist er det dominerende sæt af idealer og overbevisninger, der motiverer medlemmerne af et samfund til handling i en bestemt tidsperiode og det kan direkte oversættes fra tysk som "tidsånd".
Georg Hegel brugte aldrig selv dette ord, men i sine værker, såsom Forelæsninger over historiefilosofien, skriver han følgende:
"Intet menneske kan hæve sig over sin egen tid, for tidsånden er også hans egen ånd." — Georg Hegel
Denne idé er tæt forbundet med den måde, Hegel betragtede kunst på. I dette paradigme, alt hvad kunstneren skaber, vil afspejle den givne tids kultur. Kunstneren er et uundgåeligt produkt af sin tid og vil derfor bringe denne kultur ind i sin kunst.
Zeitgeist-teorien placerer sig skarpt i opposition til en teori fra det 19. århundrede af Thomas Carlyle kaldet The Great Man Theory, hvor individer besidder de egenskaber, der gør dem til store ledere.
Disse egenskaber, kombineret med guddommelig inspiration, gør dem i stand til at opnå magtpositioner og dermed forme historien.
"Verdenshistorien er intet andet end biografien om store mænd." — Thomas Carlyle
Tolstoj købte ikke den præmis og i sin bog Krig og fredbetragter han betydningen af store individer som indbildt: de er blot historiens slaver. Herbert Spencer gik så vidt som til at sige, at han anså Carlyles idéer for at være håbløst primitive, barnlige og uvidenskabelige.
For at være helt ærlig, hviler teorien om "den store mand" på en antagelse om medfødte evner, der ikke betyder noget, og ignorerer det store puslespil, som vores univers udgør. Den ignorerer, hvordan alt er en konsekvens af en konsekvens af en konsekvens.
Og lad os slet ikke begynde på begrebet "fri vilje" i dette indlæg – vi er nødt til at passe på med at bevæge os ned i det kaninhul.
Det betyder grundlæggende, at kunst logisk set umuligt kan være en esoterisk ting, der opstår ud af visse individers fantastiske evner, eller er født ud af ren lyksalighed, fantastisk "talent" eller medfødte færdigheder hos nogle meget heldige mennesker.
Man kunne endda sige, at "færdighed" er et meget relativt begreb, når det kommer til kunst. Det antyder teknisk mesterskab, men forskellige niveauer af teknologisk viden har formet kunsten lige fra begyndelsen, og det er grunden til, at "færdighed" eller "teknik" er meget usikre standarder for kvalitet.
Lad os tage et helt grundlæggende koncept som lineær perspektiv eller, sagt på en enkel måde: den måde, objekter ser mindre ud på, når de er længere væk.
Studiet og den geometriske udforskning af dette inden for visuel fremstilling begyndte først i det fjortende århundrede under den italienske renæssance, og det tog stadig noget tid, før det blev perfektioneret og ordentligt forstået.
Denne tekniske forståelse blev tydelig i alt kunstnerisk arbejde fra da af, mens alle de grafiske værker, der blev produceret før den tid, bevarede denne næsten bizarre aura af et mislykket forsøg på at være tredimensionelle.
Men var det mislykket? Eller var det snarere sådan, at realisme i fremstillingen på det tidspunkt simpelthen ikke var en norm? Hvad kom først: behovet for realistisk grafisk fremstilling eller de teknikker, der gjorde det muligt at producere den? Spiller det nogen rolle, om man skaber ud fra evner eller ud fra et valg? Er teknik en standard for kvalitet inden for kunst?
Tag for eksempel græske vaser. De er sorte med dybe orange figurer og dekorationer. Mange betragter dem som et smukt kunstværk med en fantastisk farvekombination, der har en minimalistisk, men alligevel mystisk og dragende effekt, opnået gennem de historier, som deres billeder fortæller.
Og så er der kinesisk porcelæn. Det er farverigt og fint, dets tegninger er rige på detaljer, og figurerne fører os ind i en kultur, der er fyldt med interessant mytologi.
Desværre har jeg ikke studeret dem lige så indgående som den hellenistiske civilisation, så jeg kan ikke fortælle dig meget om, hvornår og hvorfor disse vaser blev til.
Men jeg kan fortælle dig så meget: de græske vaser er sorte og dybrøde, ikke på grund af blæk, men på grund af et materiale, der, når det påføres overfladen, gør leret sort efter brænding. Der er ikke tale om farvevalg.
Var det teknikken, der dikterede æstetikken, eller var det omvendt? Var det en selvvalgt begrænsning, eller var det den tekniske begrænsning, der skabte stilen? Er kinesisk porcelæn overlegent, fordi dets definerende karakteristika er resultatet af en mere alsidig og teknisk avanceret teknik? Er den ene mere kunst end den anden?
Til sidst: malede Pablo Picasso en kvinde på den måde, fordi han ikke vidste, hvordan man gjorde det realistisk, eller var det et bevidst valg? Jeg kan fortælle dig, at han udmærket vidste, hvordan man maler realistisk (se billedet herunder), men er tilstedeværelsen eller fraværet af valg en form for validering af kunstnerisk udtryk?
Det er et farligt princip at følge, for det kan ugyldiggøre ethvert værk skabt under omstændigheder, der begrænser det frie valg, såsom teknisk viden, penge, tid og meget mere. Hvis du ser tilbage på alt det, du hidtil har lært om kunsthistorien, vil du opdage, at alt har begrænsninger, og at kunsten er blevet formet af materialer, teknikker, religion, samfundet og meget andet. Alt er blevet formet af tidsånden.
At bruge fravær eller tilstedeværelse af valg som en standard for kvalitet betyder, at man underkender mange værker gennem både moderne og antik historie. Kunstværker, hvor du ikke anede, hvor kaotisk deres tilblivelsesproces var – fra tekniske begrænsninger, materialemangel, budget og personlighedskonflikter til endda mentale helbredsproblemer, hvis man vil gå den vej.
Så efter oplysningstiden (hvis afslutning begyndte i starten af 1800-tallet), trådte vi ind i den relativistiske tankegang, og der var ikke længere den samme dille med en "realistisk" grafisk gengivelse af verden. Og det er her, kunsten bliver mere kompliceret.
Husker du romantikken , hvor det hele handlede om nostalgi, romantik, det episke og forbindelsen til naturen og historien?
Et par år senere besluttede nogle malere at fokusere på hverdagens genkendelige virkelighed under en bevægelse kaldet impressionisme. Det banale kunne være smukt og værd at betragte gennem lysets og bevægelsens poetik, som kom til udtryk gennem synlige og følelsesladede penselstrøg.
Det var ikke en realistisk gengivelse – det var ikke længere interessant på grund af fotografiet – men det var rigt og gav nyt liv til det almindelige.
Andre kunstnere tog de samme principper om udtryk gennem farve og tekstur og udforskede dem endnu mere, uden at være bange for for alvor at forvrænge motivet for virkelig at formidle deres subjektive oplevelse af virkeligheden. De kaldte det ekspressionisme.
%25252C_oil_on_canvas%25252C_71.1_x.webp)
Derefter besluttede flere kunstnere, og nogle af de samme, at gå videre og også udforske subjektiviteten i livet og tilværelsen, men ved at forvrænge tidskontinuummet, hvor fortid, nutid og fremtid smeltes sammen på en visuel måde. Ret syret, ikke? Det er kubisme for dig.
Husk også den industrielle revolution? Den teknologiske vækst var eksponentiel, og det samme var folks fascination af den. Denne gruppe tog kubismens koncept om tidsbøjning til sig og satte fremtidens æstetik som det eneste, der betød noget.
Fart, teknologi, ungdom, vold, industrialisme, nationalisme, hvad som helst, futuristerne var vilde med det.
Allerede Surrealisme handlede om at dykke ned i de dengang helt nye freudianske teorier, hvilket førte til nogle ret interessante udforskninger af underbevidstheden.
Nogle gjorde det gennem deres teknik, ligesom ekspressionisterne, andre gjorde det ved at nedskrive deres første tanker efter at være vågnet fra en drøm, og nogle tegnede bare det første, der faldt dem ind, i et forsøg på at handle så ubevidst som muligt, mens de var vågne.
Kort sagt var idéen at tage selvudtrykket til det næste niveau ved at få alt det potentielt pinlige og virkelig dybe frem i lyset.
Disse udforskninger fortsatte, indtil nogle nåede frem til en absolut abstraktion. Nogle kunstnere, som Kandinsky, der selv var musiker, blev inspireret af muligheden for, at former og associative farver kunne give genlyd i ens indre.
Midt i denne vrimmel af kunstretninger dukkede dadaisterne op for at give et tiltrængt realitetstjek, så alle blev holdt til ilden. De satte spørgsmålstegn ved stort set alt, hvad der havde med kunst at gøre, på den helt kontante måde.
Forestil dig følgende: Det er 1917, og midt på en udstilling står en skulptur med titlen ”Fountain”, som i bund og grund er et urinal, der ligger ned. Besøgende tog ikke let på det og blev meget vrede. Det var sandsynligvis præcis det, der var pointen.
Dadaisterne tvang alle til at stille spørgsmålstegn ved æstetik og skønhed, brød rammerne, gjorde oprør mod elitisme og skilte ord fra deres betydning. I sidste ende fik de alle til at genoverveje definitionen af kunst, og hvordan ”skønhed” og ”harmoni” måske ikke nødvendigvis var forudsætninger.
Denne samme udfordring af idéen om harmoni og klassisk skønhed strakte sig i øvrigt til alle kunstarter. Jeg har fokuseret på malerkunsten i de fleste eksempler og historiske gennemgange, men kun fordi det er lettest at illustrere og sammenligne i en artikel.
Men der skete mange interessante ting inden for musikken, som for eksempel hvordan man pludselig kunne bryde skalaerne og kombinere toner, der førhen ville være blevet betragtet som en forfærdelig sammensætning. Dans var ikke længere så fokuseret på elegance, og gav sig selv lov til at være rå og ubehagelig, når det var på sin plads.
At bryde med de klassiske og romantiske æstetiske rammer blev en fantastisk måde at få adgang til en bredere vifte af følelser, idéer og udtryksformer.
Som tiden gik, skete der derfor en eksponentiel vækst i kunstproduktionen og dermed også i antallet af kunstretninger og tankestrømninger. Så mange, at man blot begyndte at kalde det samtidskunst, da begrebet refererer til den kunst, der bliver skabt i den nuværende periode.
Der opstod dusinvis, hvis ikke hundredvis, af kunstneriske bevægelser, men en af dem, der dukkede op på det tidspunkt og er værd at nævne, var ”konceptkunst”: hvor idéen eller konceptet er værkets vigtigste aspekt.
Efter mange århundreder med fokus på udførelsen, blev den her ligegyldig og overflødig, og fokus lå i stedet på planlægningen og de beslutninger, der var truffet på forhånd.
Et godt eksempel på konceptkunst er Maurizio Bologninis installationskunstværk ”Programmed Machines” fra 1988, hvor personlige computere blev programmeret til at generere strømme af konstant ekspanderende tilfældige billeder og efterladt til at køre i det uendelige (de fleste af dem fungerer stadig i dag).
Når man bliver konfronteret med sådanne kunstværker, ville det være det øjeblik, hvor typisk alle ruller øjnene og hader samtidskunst.
Forhåbentlig har jeg formået at videregive nok information til i det mindste at få dig til at tænke to gange i stedet for straks at afvise sådanne værker. Og sandfærdigt håber jeg, at det lykkedes mig at åbne dit sind og hjælpe dig med at forstå det Kunst behøver ikke at være smuk eller behagelig at opleve.
Kunst behøver ikke at være en dybt følelsesladet eller intellektuel oplevelse, der straks fejer dig af dine fødder. Om noget afhænger den oplevelse, du har med kunst, mere af, hvordan du vælger at interagere med den, end af dens egne egenskaber.
Du medbringer al din viden og livsbagage og, i sidste ende, at nyde kunst vil være din egen subjektive oplevelse, og du vælger, hvor dybt du vil gå.
„Kunsten begynder, når et menneske med det formål at kommunikere en følelse til andre mennesker, han engang oplevede, kalder den op igen i sig selv og udtrykker den ved visse ydre tegn.“ — 1897/Hvad er kunst af Tolstoy, s.38
Vi ved alle, at kunst ikke er sandhed. Kunst er en løgn, der får os til at indse sandheden.“— 1972/Pablo Picasso citeret i Dore Ashtons Picasso om kunst
„Ideer alene kan være kunstværker... Alle ideer behøver ikke gøres fysiske... Et kunstværk kan forstås som en dirigent fra kunstnerens sind til beskuerens. Men det når måske aldrig beskueren, eller det forlader måske aldrig kunstnerens sind.“ — 1994/Sol LeWitt citeret i Kunst og dens betydning af Stephen David Ross
„Om Mr. Mutt med egne hænder lavede springvandet eller ej, har ingen betydning. Han valgte det. Han tog en almindelig livsartikel, placerede den således, at dens nyttige betydning forsvandt under en ny titel og synspunkt (og) skabte en ny tanke for objektet. — 1917/Den blinde mand, 2. udgave, af Marcel Duchamp, Beatrice Wood og Henri-Pierre Roché
Fandt du denne artikel nyttig? Du kan måske også lide disse!
Jeg er UI & produktdesigner, illustrationskunstner og maler. Kendt for min kærlighed til skrallede badehåndklæder, musikproduktion, typografi og alle slags pizza.
People who read this post, also found these interesting:
