Læsning af forrige kapitel vil gøre denne tekst meget mere forståelig, men hvis du virkelig skal springe den over, Her er lidt kontekst: Jeg besluttede, at den bedste måde at forklare, hvad der er kunst, er at forstå noget historie, noget filosofi og noget teknik.
Ikke fordi det giver dig et klart svar, men fordi det vil give dig en legitim kritisk tænkning. Og så, hvem ved, måske har du endda informerede meninger.
Efter mange århundreder af kunstneriske perioder, der er defineret af politiske, sociale og økonomiske sammenhænge og ikke så meget af individuel smag, Der skete en gradvis ændring i, hvordan information blev erhvervet og delt.
Den videnskabelige metode styrkede tilegnelsen af viden, og den industrielle revolution ændrede landskabet for, hvordan mennesker levede og arbejdede. Den deraf følgende tilblivelse af en middelklasse gjorde plads til uddannelse af mange flere mennesker - at afslutte noget af den elitisme, der hidtil definerede uddannelse.
Man lever længere, man lever bedre, man ved mere, og kreativitet fødes. Det er, hvad der skete med langt flere mennesker end i tidligere århundreder, der enten var defineret af knaphed, krig og/eller religiøs ekstremisme.
Sådan blev kunsten mere demokratisk og følgelig mere tilgængelig for individuelt, personligt og følelsesmæssigt udtryk.
Zeitgeist er dominerende sæt af idealer og overbevisninger, der motiverer handlingerne fra medlemmerne af et samfund i en bestemt tidsperiode og det oversættes bogstaveligt fra tysk som „tidssind“ eller „tidsånd“.
Georg Hegel brugte faktisk aldrig dette ord, men i sine værker som Foredrag om historiens filosofi, siger han følgende:
„Intet menneske kan overgå sin egen tid, for hans tids ånd er også hans egen ånd.“
— Georg Hegel
Denne idé er tæt knyttet til den måde, Hegel så kunst på. I dette paradigme, Uanset hvad kunstneren skaber, afspejler kulturen i den givne tid. Kunstneren er et uundgåeligt produkt af den tid og vil derfor bringe denne kultur til sin kunst.
Zeitgeist-teorien positionerer sig skarpt mod en teori fra det 19. århundrede ved Thomas Carlyle hedder Teorien om den store mand, hvor enkeltpersoner besidder de egenskaber, der gør dem til store ledere.
Disse egenskaber kombineret med guddommelig inspiration giver dem mulighed for at opnå magtpositioner og følgelig forme historien.
„Verdens historie er kun store mænds biografi.“
— Thomas Carlyle
Tolstoj havde intet af det og i sin bog Krig og fredHan betragter betydningen af store individer imaginære: de er blot historiens slaver. Herbert Spencer gik så langt som at sige, at han betragtede Carlyles ideer som håbløst primitiv, barnlig og uvidenskabelig.
Og sandfærdigt, Great Man Theory hviler på antagelsen om ubetydelige og medfødte færdigheder, idet man ser bort fra det store puslespil, der udgør vores univers. Det ignorerer, hvordan alt er en konsekvens, af en konsekvens, af en konsekvens.
Og lad os ikke engang komme ind i begrebet „fri vilje“ i dette indlæg - vi skal passe på dette kaninhul.
Dette betyder grundlæggende, at logisk set, Kunst kan umuligt være denne esoteriske ting, der opstår ud af forbløffelse hos visse individer, eller er født ud af ren lyksalighed, fantastisk „talent“ eller medfødt dygtighed hos nogle virkelig heldige mennesker.
Man kunne endda sige, at „færdighed“ er et meget relativt begreb i, hvad der kommer til kunst. Det indebærer teknisk mestring, men forskellige niveauer af teknologisk viden har formet kunsten lige siden dens begyndelse, og derfor er „dygtighed“ eller „teknik“ meget skællende standarder for kvalitet.
Lad os tage et meget grundlæggende koncept som lineært perspektiv eller kort sagt: den måde, objekter ser ud til at være mindre, når de er fjernere.
Dens undersøgelse og geometriske udforskning inden for visuel repræsentation begyndte først i det fjortende århundrede under den italienske renæssance, og det tog stadig nogen tid, før det blev perfektioneret og korrekt forstået.
Denne tekniske forståelse blev tydelig i alt kunstnerisk arbejde fra da af, mens alle de grafiske værker, der blev produceret før den tid, bevarede denne næsten bizarre aura af mislykket forsøg på at være tredimensionel.
Men var det mislykket? Eller var det, at realisme i repræsentation på det tidspunkt simpelthen ikke var en kanon? Hvad kom først: behovet for realistisk grafisk repræsentation eller de teknikker, der gjorde det muligt at producere det? Betyder det noget, om man skaber ud af kapacitet eller uden valg? Er teknik en standard for kvalitet i kunst?
Så tag Græske vaser. De er sorte med dybe orange figurer og udsmykninger. Det overvejes af mange et smukt kunstværk med en fantastisk farvekombination, der har en minimalistisk, men mystisk og fordybende effekt, opnået gennem de historier, som deres billeder fortæller.
Og så er der Kinesisk porcelæn. Det er farverig, delikat, dens tegninger er rige på detaljer, og deres figurer transporterer os til en kultur, der er fyldt med interessant mytologi.
Desværre har jeg ikke studeret dem så dybt som den hellenistiske civilisation, så der er ikke meget, jeg kan fortælle dig om disse vasers hvornår og hvorfor.
Men jeg kan fortælle dig dette meget: de græske vaser er sorte og dybe røde ikke takket være blæk, men takket være et materiale, der, når det påføres deres overflade, forvandler leret til sort efter kogning. Der er ingen farveplukning involveret.
Dikterede teknikken æstetikken, eller var det omvendt? Var det en selvpålagt begrænsning, eller genererede den tekniske begrænsning stilen? Er det kinesiske porcelæn overlegen, fordi dets definerende egenskaber er resultatet af en mere alsidig og teknisk avanceret teknik? Er en mere kunst så den anden?
Endelig: malede Pablo Picasso en kvinde på denne måde, fordi han ikke vidste, hvordan man gjorde det på en realistisk måde eller efter eget valg? Jeg kan fortælle dig, at han vidste meget godt, hvordan man laver realistisk maleri (se billedet nedenfor), men er tilstedeværelsen eller fraværet af valg en slags validering for kunstnerisk udtryk?
Det er et farligt princip at følge, fordi det kan ugyldiggøre ethvert arbejde udført under de begrænsninger, der kan begrænse det frie valg, som teknisk viden, penge, tid og mere. Hvis du ser tilbage på alt, hvad du har lært om kunsthistorie indtil videre, vil du opdage, at Alt har begrænsninger, og at kunsten er blevet formet af materialer, teknikker, religion, samfund og mange flere. Alle er blevet formet af Zeitgeist.
Brug af fravær eller tilstedeværelse af valg som standard for kvalitet betyder ugyldiggørelse af mange stykker gennem moderne og gammel historie. Kunstværker, du havde ingen idé om, hvor ødelagt deres proces var - fra tekniske begrænsninger, materielle begrænsninger, budget, personlighedsforskydninger til endda psykiske problemer, hvis du vil derhen.
Så passerede denne oplysningstid (hvis ende startede i begyndelsen af 1800-tallet), vi gik ind i den relativistiske tanke, og der var ikke mere dille efter en „realistisk“ grafisk repræsentation af verden. Og det er da kunsten bliver vanskeligere.
Husk Romantisk periode hvor de handlede om nostalgi, romantik, epicitet og forbindelse til natur og historie?
Et par år gik, og nogle malere besluttede at fokusere på den relatable virkelighed i hverdagen under en bevægelse kaldet impressionisme. Banalitet kunne være smuk og værd at overveje gennem lysens og bevægelsens poetik, der blev udtrykt gennem synlige og følelsesmæssige penselstrøg.
Det var ikke en realistisk repræsentation - det var ikke interessant længere på grund af fotografering - men det var rigt og bragte nyt liv til det sædvanlige.
Nogle andre kunstnere tog de samme udtryksprincipper gennem farve og tekstur og udforskede dem endnu længere uden at være bange for virkelig fordreje emnet for virkelig at formidle deres subjektive oplevelse af virkeligheden. De kaldte det Ekspressionisme.
%252C_oil_on_canvas%252C_71.1_x_55.9_cm%252C_Tate_Modern%252C_London.jpeg)
Derefter besluttede flere kunstnere, og nogle af de samme, at gå og også udforske livets og eksistensens subjektivitet, men ved at fordreje tidskontinuumet, fusionerer fortid med nutid og fremtid på en visuel måde. Trippy ting, ikke? Det er Kubismen til dig.
Kan du huske den industrielle revolution? Teknologisk vækst var eksponentiel, og det samme var folks fascination for det. Denne gruppe fyre tog kubismens begreb om tidsbøjning op og værdsatte fremtidens æstetik som det eneste, der betød noget.
Hastighed, teknologi, ungdom, vold, industrialisme, nationalisme, hvad du kan nævne, Futurister var interesseret i det.
Allerede surrealisme handlede om at komme ind i de skinnende splinternye freudianske teorier, der resulterede i nogle ret interessante udforskninger af det underbevidste.
Nogle ville gøre det gennem deres teknik, på samme måde som ekspressionisterne, nogle ville gøre det ved at registrere deres første tanker efter at have vågnet op fra en drøm, nogle ville bare gå for at tegne den første ting, der ville krydse deres sind, i et forsøg på at Handle så ubevidst som muligt, mens du er vågen.
Dybest set, ideen var at tage selvudfoldelse til det næste niveau for at få alle de potentielt pinlige og virkelig dybe ting derude.
Disse udforskninger fortsatte og fortsatte, indtil nogle nåede det absolutte abstraktion. Nogle kunstnere, som Kandinsky, der selv var musiker, fik inspireret af muligheden for former og associativ farve, der runger i ens selv.
Midt i denne klynge af kunstbevægelser kom der Dadaister for det nødvendige virkelighedskontrol, for at holde alle på tæerne. De satte stort set spørgsmålstegn ved alt kunstrelateret, den hardcore måde.
Forestil dig følgende: Det er 1917, og der er en skulptur midt i en udstilling, der hedder“Springvand“ og det er dybest set en læggende urinal. De besøgende tog det ikke let og blev meget vrede. Sandsynligvis var det netop pointen.
Dadaister tvang alle til at stille spørgsmålstegn ved æstetik og skønhed, brød begrænsninger, gjorde oprør mod elitisme og adskilte ord fra deres betydning. I sidste ende, de fik alle til at tænke over definitionen af kunst, og hvordan måske „skønhed“ og „harmoni“ ikke nødvendigvis var forudsætninger.
Det samme spørgsmål om ideen om harmoni og klassisk skønhed udvidede sig forresten til alle kunstområder. Jeg har fokuseret de fleste eksempler og historie i maleri, men kun fordi det er det nemmeste at eksemplificere og sammenligne i en artikel.
Men Der skete mange interessante ting i musikken, ligesom hvordan du pludselig kunne bryde skalaerne og matche noter, der før ville blive betragtet som en forfærdelig kombination. Dans var ikke så fokuseret på elegance længere, og tillod sig at være rå og ubehagelig, når det var berettiget.
At bryde formene for klassisk og romantisk æstetik blev en fantastisk måde at få adgang til en bredere vifte af følelser, ideer, og måder at udtrykke sig på.
Så som tiden gik, var der en eksponentiel vækst i kunstproduktionen og følgelig i antallet af kunstbevægelser og tankestrømme. Så mange, at folk lige begyndte at kalde det samtidskunst, da udtrykket henviser til den kunst, der produceres på nuværende tidspunkt.
Der var snesevis, hvis ikke hundreder, af kunstneriske bevægelser, der skete, men en, der kom omkring den tid og er værd at nævne, var „Konceptuel kunst“: ideen eller konceptet er det vigtigste aspekt af værket.
Efter mange århundreder fokuseret på henrettelse, blev det her skødesløst og overflødigt, og fokus var på planlægning og beslutningstagning, der blev foretaget på forhånd.
Et godt eksempel på Konceptuel kunst er Maurizio Bologninis installationskunst „Programmerede maskiner“ fra 1988, hvor personlige computere blev programmeret til at generere strømme af kontinuerligt ekspanderende tilfældige billeder og ladet køre ad infinitum (de fleste af disse fungerer stadig nu).
Når man bliver konfronteret med sådanne kunstværker, ville det være det øjeblik, hvor typisk alle ruller øjnene og hader samtidskunst.
Forhåbentlig har jeg formået at videregive nok information til i det mindste at få dig til at tænke to gange i stedet for straks at afvise sådanne værker. Og sandfærdigt håber jeg, at det lykkedes mig at åbne dit sind og hjælpe dig med at forstå det Kunst behøver ikke at være smuk eller behagelig at opleve.
Kunst behøver ikke at være en dybt følelsesladet eller intellektuel oplevelse, der straks fejer dig af dine fødder. Om noget afhænger den oplevelse, du har med kunst, mere af, hvordan du vælger at interagere med den, end af dens egne egenskaber.
Du medbringer al din viden og livsbagage og, i sidste ende, at nyde kunst vil være din egen subjektive oplevelse, og du vælger, hvor dybt du vil gå.
„Kunsten begynder, når et menneske med det formål at kommunikere en følelse til andre mennesker, han engang oplevede, kalder den op igen i sig selv og udtrykker den ved visse ydre tegn.“
— 1897/Hvad er kunst af Tolstoy, s.38
Vi ved alle, at kunst ikke er sandhed. Kunst er en løgn, der får os til at indse sandheden.“
— 1972/Pablo Picasso citeret i Dore Ashtons Picasso om kunst
„Ideer alene kan være kunstværker... Alle ideer behøver ikke gøres fysiske... Et kunstværk kan forstås som en dirigent fra kunstnerens sind til beskuerens. Men det når måske aldrig beskueren, eller det forlader måske aldrig kunstnerens sind.“
— 1994/Sol LeWitt citeret i Kunst og dens betydning af Stephen David Ross
„Om Mr. Mutt med egne hænder lavede springvandet eller ej, har ingen betydning. Han valgte det. Han tog en almindelig livsartikel, placerede den således, at dens nyttige betydning forsvandt under en ny titel og synspunkt (og) skabte en ny tanke for objektet.
— 1917/Den blinde mand, 2. udgave, af Marcel Duchamp, Beatrice Wood og Henri-Pierre Roché
Fandt du denne artikel nyttig? Du kan måske også lide disse!
Jeg er UI & produktdesigner, illustrationskunstner og maler. Kendt for min kærlighed til skrallede badehåndklæder, musikproduktion, typografi og alle slags pizza.
People who read this post, also found these interesting:
