En lisant le chapitre précédent rendra ce texte beaucoup plus compréhensible, mais si vous devez vraiment l'ignorer, voici un peu de contexte: J'ai décidé que la meilleure façon d'expliquer ce qu'est l'art est de comprendre un peu d'histoire, de philosophie et de technique.
Non pas parce que cela vous donnera une réponse claire, mais parce que il vous fournira un esprit critique légitime. Et puis, qui sait, vous pourriez même avoir des opinions éclairées.
Après des siècles de périodes artistiques définies par des contextes politiques, sociaux et économiques plutôt que par des goûts individuels, il y a eu un changement progressif dans la manière dont les informations étaient recueillies et partagées.
La méthode scientifique a consolidé l'acquisition de connaissances et la révolution industrielle a changé le paysage de la façon dont les humains vivaient et travaillaient. La genèse d'une classe moyenne qui en a résulté a fait place à l'éducation d'un plus grand nombre de personnes. - mettre fin à une partie de l'élitisme qui a défini l'éducation jusqu'à présent.
On vit plus longtemps, on vit mieux, on en sait plus et la créativité est née. C'est ce qui est arrivé à bien plus de personnes qu'au cours des siècles précédents, qui étaient définis par la pénurie, la guerre et/ou l'extrémisme religieux.
C'est ainsi que l'art est devenu plus démocratique et, par conséquent, plus accessible à l'expression individuelle, personnelle et émotionnelle.
Zeitgeist est le ensemble dominant d'idéaux et de croyances qui motivent les actions des membres d'une société au cours d'une période donnée et il se traduit littéralement de l'allemand par « esprit temporel » ou « esprit temporel ».
Georg Hegel n'a jamais réellement utilisé ce mot mais, dans ses œuvres, comme Conférences sur la philosophie de l'histoire, il déclare ce qui suit :
« Nul ne peut dépasser son temps, car l'esprit de son temps est aussi son propre esprit. »
— Georg Hegel
Cette idée est étroitement liée à la façon dont Hegel voyait l'art. Dans ce paradigme, tout ce que l'artiste créera reflétera la culture de cette époque. L'artiste est un produit incontournable de cette époque et, par conséquent, il apportera cette culture à son art.
La théorie Zeitgeist se positionne nettement par rapport à une théorie du XIXe siècle en Thomas Carlyle appelé La théorie du Grand Homme, où les individus possèdent les caractéristiques qui font d'eux de grands leaders.
Ces caractéristiques, combinées à l'inspiration divine, leur permettront d'accéder à des positions de pouvoir et, par conséquent, de façonner l'histoire.
« L'histoire du monde n'est que la biographie de grands hommes. »
— Thomas Carlyle
Tolstoï n'avait rien de tout cela. et, dans son livre Guerre et paix, il considère l'importance de des personnes formidables imaginaires : ils sont de simples esclaves de l'histoire. Herbert Spencer est allé jusqu'à dire qu'il considérait les idées de Carlyle comme désespérément primitif, enfantin et non scientifique.
Et franchement, la théorie du Grand Homme repose sur l'hypothèse de compétences innées et sans importance, sans tenir compte du grand puzzle que constitue notre univers. Il ignore que tout est une conséquence, une conséquence, une conséquence.
Et n'entrons même pas dans le concept de « libre arbitre » dans ce post, nous devons faire attention à ce terrier à lapins.
Cela signifie essentiellement que, logiquement parlant, l'art ne peut pas être cette chose ésotérique qui résulte de l'émerveillement de certaines personnes, ou est né du pur bonheur, de l'incroyable « talent » ou de l'habileté innée de personnes vraiment chanceuses.
On pourrait même dire que La « compétence » est un concept très relatif dans le domaine de l'art. Cela implique une maîtrise technique, mais différents niveaux de connaissances technologiques ont façonné l'art depuis ses débuts, et c'est pourquoi la « compétence » ou la « technique » sont des normes de qualité très floues.
Prenons un concept très basique comme perspective linéaire ou, tout simplement : la façon dont les objets semblent être plus petits lorsqu'ils sont plus éloignés.
Son étude et son exploration géométrique dans le domaine de la représentation visuelle n'ont commencé qu'au XIVe siècle, pendant la Renaissance italienne, et il a fallu encore un certain temps avant qu'elles ne soient perfectionnées et correctement comprises.
Cette compréhension technique est devenue évidente dans toutes les œuvres artistiques depuis lors, tandis que toutes les œuvres graphiques produites avant cette époque ont conservé cette atmosphère presque bizarre d'échec de tentative de tridimensionnalité.
Mais est-ce que cela a échoué ? Ou était-ce qu'à cette époque, le réalisme en matière de représentation n'était tout simplement pas un canon ? Qu'est-ce qui est apparu en premier : le besoin d'une représentation graphique réaliste, ou les techniques qui ont permis de la produire ? Est-ce important que l'on crée par capacité ou par choix ? La technique est-elle une norme de qualité dans l'art ?
Alors prenez Vases grecs. Ils sont noirs avec des figures et des ornements orange foncé. Il est considéré par beaucoup une belle œuvre d'art avec une superbe combinaison de couleurs qui a un effet minimaliste mais mystique et immersif, réalisé grâce aux histoires que racontent leurs images.
Et puis il y a Porcelaine chinoise. C'est colorés, délicats, ses dessins sont riches en détails et leurs personnages nous transportent dans une culture qui regorge d'une mythologie intéressante.
Malheureusement, je ne les ai pas étudiés aussi profondément que la civilisation hellénistique. Je ne peux donc pas vous dire grand-chose sur le moment et le pourquoi de ces vases.
Mais je peux te dire ceci : les vases grecs sont noirs et rouge foncé, pas à cause de l'encre, mais grâce à un matériau qui, appliqué sur leur surface, noircit l'argile après cuisson. Il n'y a aucun choix de couleur impliqué.
La technique a-t-elle dicté l'esthétique ou est-ce l'inverse ? S'agit-il d'une limitation auto-imposée ou est-ce la limitation technique qui a généré le style ? La porcelaine chinoise est-elle supérieure parce que ses caractéristiques déterminantes sont le résultat d'une technique plus polyvalente et techniquement avancée ? En est-il un de plus art puis l'autre ?
Enfin : Pablo Picasso a-t-il peint une femme de cette façon parce qu'il ne savait pas comment le faire de façon réaliste, ou par choix ? Je peux vous dire qu'il savait très bien comment faire de la peinture réaliste (voir image ci-dessous), mais la présence ou l'absence de choix constitue-t-elle une sorte de validation de l'expression artistique ?
C'est un principe dangereux à suivre, car il peut invalider tout travail effectué sous des contraintes susceptibles de limiter le libre choix, telles que les connaissances techniques, l'argent, le temps, etc. Si vous regardez en arrière tout ce que vous avez appris sur l'histoire de l'art jusqu'à présent, vous constaterez que tout a des contraintes, et que l'art a été façonné par les matériaux, les techniques, la religion, la société et bien d'autres encore. Tous ont été façonnés par Zeitgeist.
Utiliser l'absence ou la présence de choix comme critère de qualité revient à invalider de nombreuses pièces de l'histoire moderne et ancienne. Des œuvres d'art dont vous ne saviez pas à quel point leur processus était compliqué - qu'il s'agisse de limitations techniques, de limites matérielles, de budget, de problèmes de personnalité ou même de problèmes de santé mentale si vous souhaitez vous y rendre.
Ainsi est passé ce siècle des Lumières (dont la fin a commencé au début des années 1800), nous sommes entrés dans la pensée relativiste et il n'y avait plus d'engouement pour une représentation graphique « réaliste » du monde. Et c'est là que l'art devient plus délicat.
Souvenez-vous du Période romantique où ils parlaient tous de nostalgie, de romantisme, d'épopée et de lien avec la nature et l'histoire ?
Quelques années se sont écoulées et certains peintres ont décidé de se concentrer sur la réalité relatable de la vie quotidienne au cours d'un mouvement appelé Impressionnisme. La banalité peut être belle et mériter d'être contemplée à travers une poétique de la lumière et du mouvement, qui ont été exprimés par des coups de pinceau visibles et émotionnels.
Ce n'était pas une représentation réaliste - ce n'était plus intéressant à cause de la photographie - mais elle était riche et redonnait vie à l'ordinaire.
D'autres artistes ont repris ces mêmes principes d'expression à travers la couleur et la texture et les ont explorés encore plus loin, sans avoir peur de vraiment déformer le sujet afin de transmettre véritablement son expérience subjective de la réalité. Ils l'ont appelé Expressionnisme.
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Puis, d'autres artistes, et certains d'entre eux, ont décidé d'y aller et aussi explorer la subjectivité de la vie et de l'existence, mais en déformant le continuum temporel, fusionnant le passé, le présent et le futur de manière visuelle. Des trucs trippants, non ? C'est Cubisme pour toi.
Vous vous souvenez également de la révolution industrielle ? La croissance technologique a été exponentielle, tout comme la fascination qu'elle suscite chez les gens. Ce groupe de gars a repris le concept cubiste de la flexion du temps et a considéré que l'esthétique du futur était la seule chose qui importait.
Vitesse, technologie, jeunesse, violence, industrialisation, nationalisme, etc. Futuristes nous y avons participé.
Déjà Surréalisme Il s'agissait de découvrir ces toutes nouvelles théories freudiennes qui ont donné lieu à des explorations assez intéressantes du subconscient.
Certains le feraient grâce à leur technique, comme les expressionnistes, d'autres en enregistrant leurs premières pensées après le réveil d'un rêve, d'autres choisiraient simplement de dessiner la première chose qui leur viendrait à l'esprit, dans le but de agir aussi inconsciemment que possible pendant que vous êtes éveillé.
En gros, l'idée était de faire passer l'expression de soi à un niveau supérieur en faisant connaître toutes les choses potentiellement embarrassantes et vraiment profondes.
Ces explorations se sont poursuivies jusqu'à ce que certaines atteignent l'absolu. abstraction. Certains artistes, comme Kandinsky qui était lui-même musicien, ont obtenu inspiré par la possibilité que des formes et des couleurs associatives résonnent en soi.
Au milieu de cet ensemble de mouvements artistiques, il y a eu Dadaïstes pour le nécessaire vérification de la réalité, pour garder tout le monde sur ses gardes. Ils ont à peu près remis en question tout ce qui touche à l'art, de manière hardcore.
Imaginez ce qui suit : nous sommes en 1917 et il y a une sculpture au milieu d'une exposition qui s'intitule »Fontaine» et il s'agit essentiellement d'un urinoir à poser. Les visiteurs ne l'ont pas pris à la légère et se sont mis très en colère. Probablement, c'était exactement le but.
Les dadaïstes ont forcé tout le monde à remettre en question l'esthétique et la beauté, ont brisé les contraintes, se sont révoltés contre l'élitisme et ont séparé les mots de leur sens. En fin de compte, ils ont fait réfléchir tout le monde à la définition de l'art, et comment « beauté » et « harmonie » n'étaient peut-être pas nécessairement des prérequis.
Cette même remise en question de l'idée d'harmonie et de beauté classique s'est d'ailleurs étendue à tous les domaines de l'art. J'ai concentré la plupart des exemples et de l'histoire sur la peinture, mais uniquement parce que c'est la plus facile à illustrer et à comparer dans un article.
Mais beaucoup de choses intéressantes se sont produites dans le domaine de la musique, comme la façon dont tout à coup vous pouviez briser la balance et faire correspondre des notes qui, auparavant, étaient considérées comme une combinaison horrible. La danse n'était plus tellement axée sur l'élégance, et s'est permis d'être cru et désagréable lorsque cela était justifié.
Briser les modèles de l'esthétique classique et romantique est devenu un excellent moyen d'accéder à un plus large éventail d'émotions, d'idées et de modes d'expression.
Au fil du temps, il y a eu une croissance exponentielle de la production artistique et, par conséquent, dans le nombre de mouvements artistiques et de courants de pensée. Il y en a tellement que les gens ont commencé à l'appeler « art contemporain »., puisque le terme fait référence à l'art produit à l'époque actuelle.
Il y a eu des dizaines, voire des centaines, de mouvements artistiques, mais l'un d'entre eux est apparu à cette époque et mérite d'être mentionné « Art conceptuel » : l'idée ou le concept est l'aspect le plus important de l'œuvre.
Après de nombreux siècles consacrés à l'exécution, elle est devenue négligente et superflue, et l'accent a été mis sur la planification et la prise de décisions effectuées à l'avance.
Un bon exemple de Art conceptuel est l'œuvre d'installation « Programmed Machines » de Maurizio Bolognini en 1988, dans laquelle des ordinateurs personnels étaient programmés pour générer des flux d'images aléatoires en expansion continue et laissés fonctionner à l'infini (la plupart d'entre eux fonctionnent encore aujourd'hui).
Lorsqu'on est confronté à ce type d'œuvres d'art, c'est le moment où tout le monde lève les yeux au ciel et déteste l'art contemporain.
J'espère avoir réussi à transmettre suffisamment d'informations pour au moins vous faire réfléchir à deux fois au lieu de rejeter immédiatement de telles œuvres. Et franchement, j'espère avoir réussi à vous ouvrir l'esprit et à vous aider à comprendre cela. l'art n'a pas besoin d'être beau ou agréable pour être expérimenté.
L'art n'a pas besoin d'être une expérience profondément émotionnelle ou intellectuelle qui vous bouleverse immédiatement. Au contraire, l'expérience que vous vivez avec l'art dépend davantage de la façon dont vous choisissez d'interagir avec lui que de ses propres caractéristiques.
Vous emportez toutes vos connaissances et votre bagage de vie et, au final, profiter de l'art sera votre propre expérience subjective, et vous choisissez la profondeur que vous voulez atteindre.
« L'art commence lorsqu'un homme, dans le but de communiquer à d'autres personnes un sentiment qu'il a déjà ressenti, le rappelle en lui-même et l'exprime par certains signes extérieurs. »
— 1897/Qu'est-ce que l'art de Tolstoï, p.38
« Nous savons tous que l'art n'est pas la vérité. L'art est un mensonge qui nous fait prendre conscience de la vérité. »
— 1972/Pablo Picasso cité dans Picasso sur l'art de Dore Ashton
« Les idées peuvent à elles seules être des œuvres d'art... Il n'est pas nécessaire que toutes les idées soient concrétisées... Une œuvre d'art peut être comprise comme un fil conducteur entre l'esprit de l'artiste et celui du spectateur. Mais elle peut ne jamais atteindre le spectateur ou ne jamais quitter l'esprit de l'artiste. »
— 1994/Citation de Sol LeWitt dans L'art et sa signification par Stephen David Ross
« Que M. Mutt ait fabriqué la fontaine de ses propres mains ou non n'a aucune importance. C'est lui qui l'a choisi. Il a pris un article ordinaire de la vie, l'a placé de telle sorte que sa signification utile disparaisse sous un nouveau titre et un nouveau point de vue (et) a créé une nouvelle pensée pour l'objet. »
— 1917/L'Aveugle, 2e numéro, par Marcel Duchamp, Beatrice Wood et Henri-Pierre Roché
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Je suis designer d'interface utilisateur et de produits, illustrateur et peintre. Connue pour mon amour des serviettes de plage sales, de la production musicale, de la typographie et de toutes sortes de pizzas.
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