En lisant le chapitre précédent rendra ce texte beaucoup plus compréhensible, mais si vous devez vraiment l'ignorer, voici un peu de contexte: J'ai décidé que la meilleure façon d'expliquer ce qu'est l'art est de comprendre un peu d'histoire, de philosophie et de technique.
Non pas parce que cela vous donnera une réponse claire, mais parce que il vous fournira un esprit critique légitime. Et puis, qui sait, vous pourriez même avoir des opinions éclairées.
Après des siècles où les périodes artistiques étaient définies par des contextes politiques, sociaux et économiques plutôt que par les goûts individuels, la manière d'acquérir et de partager l'information a progressivement évolué.
La méthode scientifique a consolidé l'acquisition des connaissances et la révolution industrielle a transformé le mode de vie et de travail des êtres humains. L'émergence d'une classe moyenne qui en a résulté a permis l'éducation d'un plus grand nombre de personnes – mettant fin à une partie de l'élitisme qui caractérisait l'éducation jusqu'alors.
On vit plus longtemps, on vit mieux, on en sait davantage et la créativité naît. C'est ce qui est arrivé à bien plus de personnes qu'au cours des siècles précédents, marqués par la pénurie, la guerre et/ou l'extrémisme religieux.
C'est ainsi que l'art est devenu plus démocratique et, par conséquent, plus ouvert à l'expression individuelle, personnelle et émotionnelle.
Zeitgeist désigne l'ensemble des idéaux et des croyances dominants qui motivent les actions des membres d'une société à une époque donnée et se traduit littéralement de l'allemand par « esprit du temps ».
Georg Hegel n'a jamais utilisé ce terme, mais dans ses œuvres, comme La Raison dans l'histoire, il affirme ce qui suit :
« Nul ne peut surpasser son temps, car l'esprit de son temps est aussi son propre esprit. » — Georg Hegel
Cette idée est étroitement liée à la vision de l'art selon Hegel. Dans ce paradigme, toute création artistique est le reflet de la culture d'une époque donnée. L'artiste est un produit inévitable de son temps et, par conséquent, insuffle cette culture à son œuvre.
La théorie du Zeitgeist s'oppose radicalement à une théorie du XIXe siècle défendue par Thomas Carlyle intitulée la théorie du grand homme, selon laquelle certains individus possèdent les caractéristiques qui font d'eux de grands dirigeants.
Ces traits, alliés à une inspiration divine, leur permettent d'accéder au pouvoir et, par extension, de façonner l'histoire.
« L'histoire du monde n'est que la biographie des grands hommes. » — Thomas Carlyle
Tolstoï n'était pas de cet avis et, dans son ouvrage Guerre et Paix, il considère l'importance des grands personnages comme imaginaire : ils ne sont que de simples esclaves de l'histoire. Herbert Spencer est allé jusqu'à qualifier les idées de Carlyle de désespérément primitives, puériles et non scientifiques.
En toute honnêteté, la théorie du « grand homme » repose sur l'hypothèse de compétences innées et isolées, ignorant le vaste puzzle qui constitue notre univers. Elle oublie que tout est la conséquence d'une conséquence, elle-même issue d'une autre conséquence.
Et ne nous lançons même pas dans le concept de « libre arbitre » dans cet article, car il nous mènerait trop loin.
Cela signifie essentiellement que, logiquement, l'art ne peut pas être cette chose ésotérique qui jaillirait du génie de certains individus, ou naître d'un pur bonheur, d'un « talent » extraordinaire ou des capacités innées de quelques personnes chanceuses.
On pourrait même dire que la « compétence » est un concept très relatif en matière d'art. Elle implique une maîtrise technique, mais les différents niveaux de connaissances technologiques ont façonné l'art depuis ses débuts ; c'est pourquoi la « compétence » ou la « technique » sont des critères de qualité très fragiles.
Prenons un concept très élémentaire comme la perspective linéaire ou, plus simplement : la façon dont les objets semblent plus petits à mesure qu'ils s'éloignent.
Son étude et son exploration géométrique dans la représentation visuelle n'ont commencé qu'au XIVe siècle, pendant la Renaissance italienne, et il a fallu un certain temps pour qu'elle soit perfectionnée et correctement comprise.
Cette compréhension technique est devenue manifeste dans toutes les œuvres artistiques à partir de cette époque, tandis que toutes les œuvres graphiques produites auparavant conservaient cette aura presque étrange de tentative ratée de rendu tridimensionnel.
Mais était-ce vraiment un échec ? Ou était-ce simplement que, à cette époque, le réalisme dans la représentation n'était pas la norme ? Qu'est-ce qui est venu en premier : le besoin d'une représentation graphique réaliste ou les techniques permettant de la produire ? Est-il important de savoir si l'on crée par capacité ou par choix ? La technique est-elle un critère de qualité dans l'art ?
Prenons par exemple les vases grecs. Ils sont noirs, ornés de figures et de motifs d'un orange profond. Beaucoup les considèrent comme une œuvre d'art magnifique, dotée d'une superbe palette de couleurs qui produit un effet à la fois minimaliste, mystique et immersif, renforcé par les histoires que racontent leurs images.
Et puis, il y a la porcelaine chinoise. Elle est colorée, délicate, ses dessins sont riches en détails et ses figures nous transportent dans une culture imprégnée d'une mythologie fascinante.
Malheureusement, je ne les ai pas étudiés aussi en profondeur que la civilisation hellénistique, je ne peux donc pas vous en dire beaucoup sur le contexte historique de ces vases.
Mais je peux vous dire ceci : si les vases grecs sont noirs et rouge sombre, ce n'est pas grâce à de l'encre, mais grâce à un matériau qui, appliqué sur leur surface, noircit l'argile après cuisson. Aucun choix de couleur n'intervient ici.
La technique a-t-elle dicté l'esthétique ou l'inverse ? Était-ce une contrainte volontaire, ou est-ce la limite technique qui a engendré le style ? La porcelaine chinoise est-elle supérieure parce que ses caractéristiques distinctives résultent d'une technique plus polyvalente et avancée ? L'un est-il plus artistique que l'autre ?
Enfin : Pablo Picasso a-t-il peint une femme de cette manière par manque de maîtrise du réalisme, ou par choix ? Il savait parfaitement réaliser des peintures réalistes (voir l'image ci-dessous), mais la présence ou l'absence de choix constitue-t-elle une forme de validation de l'expression artistique ?
C'est un principe dangereux à suivre, car il peut invalider toute œuvre réalisée sous des contraintes limitant le libre choix, telles que les connaissances techniques, l'argent, le temps, et bien plus encore. Si vous repensez à tout ce que vous avez appris sur l'histoire de l'art jusqu'à présent, vous constaterez que tout est soumis à des contraintes, et que l'art a été façonné par les matériaux, les techniques, la religion, la société, et bien d'autres facteurs. Tous ont été façonnés par le Zeitgeist.
Utiliser l'absence ou la présence de choix comme critère de qualité revient à invalider de nombreuses œuvres à travers l'histoire moderne et ancienne. Des œuvres d'art dont vous ignoriez à quel point le processus de création fut chaotique – des limites techniques, matérielles ou budgétaires aux incompatibilités de personnalités, voire aux problèmes de santé mentale, si l'on veut aller jusque-là.
Ainsi, après le Siècle des Lumières (dont la fin s'amorce au début du XIXe siècle), nous sommes entrés dans la pensée relativiste et l'engouement pour une représentation graphique « réaliste » du monde a disparu. Et c'est là que l'art devient plus complexe.
Vous souvenez-vous de la période romantique , où tout tournait autour de la nostalgie, du romantisme, de l'épique et du lien avec la nature et l'histoire ?
Quelques années plus tard, certains peintres ont décidé de se concentrer sur la réalité tangible du quotidien lors d'un mouvement appelé Impressionnisme. La banalité pouvait être belle et méritait d'être contemplée à travers la poétique de la lumière et du mouvement, exprimées par des coups de pinceau visibles et chargés d'émotion.
Il ne s'agissait pas d'une représentation réaliste - ce qui n'était plus intéressant avec l'avènement de la photographie - mais d'une œuvre riche qui insufflait une nouvelle vie à l'ordinaire.
D'autres artistes ont repris ces mêmes principes d'expression par la couleur et la texture pour les explorer plus avant, sans craindre de déformer le sujet afin de traduire fidèlement leur expérience subjective de la réalité. Ils ont appelé cela l'Expressionnisme.
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Puis, d'autres artistes, dont certains des précédents, ont décidé d'aller plus loin et d'explorer la subjectivité de la vie et de l'existence, mais en distordant le continuum temporel, fusionnant le passé, le présent et le futur de manière visuelle. Un concept fascinant, n'est-ce pas ? C'est ça, le Cubisme .
Rappelez-vous aussi de la révolution industrielle. La croissance technologique était exponentielle, tout comme la fascination qu'elle exerçait sur les gens. Ce groupe a repris le concept de distorsion temporelle du cubisme et a érigé l'esthétique du futur en valeur absolue.
Vitesse, technologie, jeunesse, violence, industrialisme, nationalisme, tout y passait ; les Futuristes en étaient friands.
Déjà Surréalisme s'est entièrement construit autour des théories freudiennes alors toutes nouvelles, donnant lieu à des explorations fascinantes du subconscient.
Certains y parvenaient par leur technique, à l'instar des expressionnistes, d'autres en notant leurs premières pensées au réveil, ou encore en dessinant tout ce qui leur passait par la tête, dans le but de agir de manière aussi inconsciente que possible tout en étant éveillé.
En somme, l'idée était de porter l'expression de soi à un niveau supérieur, en libérant tout ce qui pouvait être profondément enfoui ou potentiellement embarrassant.
Ces explorations se sont poursuivies jusqu'à ce que certains atteignent une abstractiontotale. Certains artistes, comme Kandinsky qui était lui-même musicien, ont été inspirés par la capacité des formes et des associations de couleurs à résonner en chacun de nous.
Au cœur de cette effervescence de mouvements artistiques, les dadaïstes sont apparus pour apporter un rappel à la réaliténécessaire, histoire de secouer les esprits. Ils ont remis en question tout ce qui touchait à l'art, de la manière la plus radicale qui soit.
Imaginez la scène : nous sommes en 1917 et, au milieu d'une exposition, trône une sculpture intitulée «Fontaine» qui n'est autre qu'un urinoir posé à l'envers. Les visiteurs ne l'ont pas pris à la légère et ont manifesté leur colère. C'était probablement là tout l'intérêt.
Les dadaïstes ont forcé chacun à remettre en question l'esthétique et la beauté, ont brisé les codes, se sont révoltés contre l'élitisme et ont dissocié les mots de leur sens. En fin de compte, ils ont poussé tout le monde à réfléchir à la définition de l'art, et à la manière dont la « beauté » et l'« harmonie » n'étaient peut-être pas des prérequis indispensables.
Ce questionnement sur l'harmonie et la beauté classique s'est d'ailleurs étendu à tous les domaines artistiques. J'ai concentré la plupart des exemples et des faits historiques sur la peinture, simplement parce qu'il est plus facile de les illustrer et de les comparer dans un article.
Mais de nombreuses choses intéressantes se sont produites en musique, comme la possibilité soudaine de briser les gammes et d'associer des notes qui, auparavant, auraient été considérées comme une combinaison atroce. La danse ne se concentrait plus autant sur l'élégance, et s'autorisait à être brute et dérangeante lorsque cela s'avérait nécessaire.
Briser les moules de l'esthétique classique et romantique est devenu un excellent moyen d'accéder à une gamme plus large d'émotions, d'idées et de modes d'expression.
Ainsi, au fil du temps, la production artistique a connu une croissance exponentielle et, par conséquent, une multiplication des mouvements artistiques et des courants de pensée. Si nombreux que les gens ont simplement commencé à appeler cela l'Art contemporain, puisque le terme désigne l'art produit à l'époque actuelle.
Il existait des dizaines, voire des centaines de mouvements artistiques, mais l'un de ceux apparus à cette époque et qui mérite d'être mentionné est l'« Art conceptuel » : l'idée ou le concept constitue l'aspect le plus important de l'œuvre.
Après des siècles centrés sur l'exécution, celle-ci est devenue négligeable et superflue, l'accent étant mis sur la planification et la prise de décision en amont.
Un bon exemple d' Art conceptuel est l'installation artistique « Programmed Machines » de Maurizio Bolognini, datant de 1988, dans laquelle des ordinateurs personnels étaient programmés pour générer des flux d'images aléatoires en expansion continue et laissés en fonctionnement ad infinitum (la plupart d'entre eux sont encore en état de marche aujourd'hui).
Lorsqu'on est confronté à ce type d'œuvres d'art, c'est le moment où tout le monde lève les yeux au ciel et déteste l'art contemporain.
J'espère avoir réussi à transmettre suffisamment d'informations pour au moins vous faire réfléchir à deux fois au lieu de rejeter immédiatement de telles œuvres. Et franchement, j'espère avoir réussi à vous ouvrir l'esprit et à vous aider à comprendre cela. l'art n'a pas besoin d'être beau ou agréable pour être expérimenté.
L'art n'a pas besoin d'être une expérience profondément émotionnelle ou intellectuelle qui vous bouleverse immédiatement. Au contraire, l'expérience que vous vivez avec l'art dépend davantage de la façon dont vous choisissez d'interagir avec lui que de ses propres caractéristiques.
Vous emportez toutes vos connaissances et votre bagage de vie et, au final, profiter de l'art sera votre propre expérience subjective, et vous choisissez la profondeur que vous voulez atteindre.
« L'art commence lorsqu'un homme, dans le but de communiquer à d'autres personnes un sentiment qu'il a déjà ressenti, le rappelle en lui-même et l'exprime par certains signes extérieurs. » — 1897/Qu'est-ce que l'art de Tolstoï, p.38
« Nous savons tous que l'art n'est pas la vérité. L'art est un mensonge qui nous fait prendre conscience de la vérité. »— 1972/Pablo Picasso cité dans Picasso sur l'art de Dore Ashton
« Les idées peuvent à elles seules être des œuvres d'art... Il n'est pas nécessaire que toutes les idées soient concrétisées... Une œuvre d'art peut être comprise comme un fil conducteur entre l'esprit de l'artiste et celui du spectateur. Mais elle peut ne jamais atteindre le spectateur ou ne jamais quitter l'esprit de l'artiste. » — 1994/Citation de Sol LeWitt dans L'art et sa signification par Stephen David Ross
« Que M. Mutt ait fabriqué la fontaine de ses propres mains ou non n'a aucune importance. C'est lui qui l'a choisi. Il a pris un article ordinaire de la vie, l'a placé de telle sorte que sa signification utile disparaisse sous un nouveau titre et un nouveau point de vue (et) a créé une nouvelle pensée pour l'objet. » — 1917/L'Aveugle, 2e numéro, par Marcel Duchamp, Beatrice Wood et Henri-Pierre Roché
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Je suis designer d'interface utilisateur et de produits, illustrateur et peintre. Connue pour mon amour des serviettes de plage sales, de la production musicale, de la typographie et de toutes sortes de pizzas.
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