Läser föregående kapitel kommer att göra denna text mycket mer förståelig, men om du verkligen måste hoppa över den, Här är lite sammanhang: Jag bestämde mig för att Det bästa sättet att förklara vad som är konst är att förstå lite historia, lite filosofi och lite teknik.
Inte för att det ger dig ett tydligt svar, utan för det kommer att ge dig ett legitimt kritiskt tänkande. Och då, vem vet, du kanske till och med har informerade åsikter.
Efter många århundraden av konstnärliga perioder som definierats av politiska, sociala och ekonomiska sammanhang och inte så mycket av individuell smak, Det skedde en gradvis förändring i hur information förvärvades och delades.
Den vetenskapliga metoden stärkte förvärvet av kunskap och den industriella revolutionen förändrade landskapet för hur människor levde och arbetade. Den efterföljande uppkomsten av en medelklass gjorde plats för utbildning av många fler människor - avsluta en del av elitismen som definierade utbildning hittills.
Man lever längre, man lever bättre, man vet mer och kreativitet föds. Det var vad som hände med mycket fler människor än under tidigare århundraden som antingen definierades av knapphet, krig och/eller religiös extremism.
Så blev konsten mer demokratisk och följaktligen mer tillgänglig för individuellt, personligt och emotionellt uttryck.
Zeitgeist är dominerande uppsättning ideal och övertygelser som motiverar handlingarna hos medlemmarna i ett samhälle under en viss tidsperiod och det översätts bokstavligen från tyska som ”tidssinne” eller ”tidsande”.
Georg Hegel använde faktiskt aldrig detta ord, men i sina verk, som Föreläsningar om historiens filosofi, säger han följande:
”Ingen människa kan överträffa sin egen tid, ty hans tids ande är också hans egen ande.”
— Georg Hegel
Denna idé är nära besläktad med hur Hegel såg konst. I det här paradigmet, vad konstnären skapar kommer att återspegla kulturen i den givna tiden. Konstnären är en oundviklig produkt av den tiden och kommer därför att föra den kulturen till sin konst.
Zeitgeist-teorin positionerar sig starkt mot en 1800-talsteori genom Thomas Carlyle kallad Teorin om den stora mannen, där individer har de egenskaper som gör dem till stora ledare.
Dessa egenskaper, i kombination med gudomlig inspiration, gör det möjligt för dem att få maktpositioner och följaktligen forma historien.
”Världens historia är bara biografier om stora män.”
— Thomas Carlyle
Tolstoj hade inget av det och i sin bok Krig och fredHan anser betydelsen av stora individer imaginära: de är bara historiens slavar. Herbert Spencer gick så långt som att säga att han ansåg att Carlyles idéer var hopplöst primitiv, barnslig och ovetenskaplig.
Och sanningsenligt, Great Man Theory vilar på antagandet om obetydliga och medfödda färdigheter, bortser från det stora pusslet som utgör vårt universum. Det ignorerar hur allt är en konsekvens, av en konsekvens, av en konsekvens.
Och låt oss inte ens komma in i begreppet ”fri vilja” i det här inlägget - vi måste se upp för detta kaninhål.
Detta innebär i princip att logiskt sett, konst kan omöjligt vara denna esoteriska sak som uppstår ur förundran hos vissa individer, eller är född av ren lycka, fantastisk ”talang” eller medfödd skicklighet hos några riktigt lyckliga människor.
Man kan till och med säga att ”skicklighet” är ett mycket relativt begrepp i vad som kommer till konst. Det innebär teknisk behärskning, men olika nivåer av teknisk kunskap har format konst sedan dess början, och det är därför ”skicklighet” eller ”teknik” är mycket flagnande standarder för kvalitet.
Låt oss ta ett mycket grundläggande koncept som linjärt perspektiv eller, enkelt uttryckt: hur objekt verkar vara mindre när de är mer avlägsna.
Dess studier och geometriska utforskning inom visuell representation började först på fjortonde århundradet under den italienska renässansen, och det tog fortfarande lite tid tills det var perfekt och korrekt förstått.
Denna tekniska förståelse blev uppenbar i allt konstnärligt arbete från och med då, medan alla grafiska verk som producerades före den tiden bevarade denna nästan bisarra aura av misslyckade försök att vara tredimensionell.
Men misslyckades det? Eller var det så att realismen i representation vid den tidpunkten helt enkelt inte var en kanon? Vad kom först: behovet av realistisk grafisk representation, eller de tekniker som gjorde det möjligt att producera den? Spelar det någon roll om man skapar av förmåga eller av val? Är teknik en standard för kvalitet i konst?
Så ta Grekiska vaser. De är svarta med djupa orange figurer och prydnader. Det anses av många ett vackert konstverk med en fantastisk färgkombination som har en minimalistisk men mystisk och uppslukande effekt, uppnåddes genom berättelserna som deras bilder berättar.
Och så finns det Kinesiskt porslin. Det är färgglada, känsliga, dess ritningar är rika på detaljer och deras figurer transporterar oss till en kultur som är fylld med intressant mytologi.
Tyvärr har jag inte studerat dem så djupt som den hellenistiska civilisationen, så det finns inte mycket jag kan berätta om dessa vasers när och varför.
Men jag kan berätta så mycket: de grekiska vaserna är svarta och djupröda inte tack vare bläck, men tack vare ett material som när det appliceras på ytan förvandlar leran till svart efter kokning. Det är ingen färgplockning involverad.
Dikterade tekniken estetiken eller var det tvärtom? Var det en självpålagd begränsning, eller genererade den tekniska begränsningen stilen? Är det kinesiska porslinet överlägset eftersom dess definierande egenskaper är resultatet av en mer mångsidig och tekniskt avancerad teknik? Är en till konst sedan den andra?
Slutligen: målade Pablo Picasso en kvinna på detta sätt för att han inte visste hur man gör det på ett realistiskt sätt, eller av val? Jag kan berätta att han visste mycket väl hur man gör realistisk målning (se bilden nedan), men är närvaron eller frånvaron av val någon form av validering för konstnärligt uttryck?
Det är en farlig princip att följa, eftersom det kan ogiltigförklara allt arbete som utförs under alla begränsningar som kan begränsa det fria valet, som teknisk kunskap, pengar, tid och mer. Om du tittar tillbaka på allt du har lärt dig om konsthistoria hittills, kommer du att upptäcka att Allt har begränsningar, och att konsten har formats av material, tekniker, religion, samhälle och många fler. Alla har formats av Zeitgeist.
Att använda frånvaro eller närvaro av val som standard för kvalitet innebär att ogiltigförklara många bitar genom modern och forntida historia. Konstverk du hade ingen aning om hur trasslig deras process var - från tekniska begränsningar, materiella begränsningar, budget, personlighetsfel, till och med psykiska problem om du vill åka dit.
Så passerade denna upplysningstiden (vars slut började i början av 1800-talet), vi gick in i den relativistiska tanken och det fanns ingen mer vansinne för en ”realistisk” grafisk representation av världen. Och det är då konsten blir svårare.
Kom ihåg Romantisk period där de handlade om nostalgi, romantik, epicitet och koppling till natur och historia?
Ett par år gick och några målare bestämde sig för att fokusera på den relaterade verkligheten i vardagen under en rörelse som heter Impressionism. Banalitet kan vara vacker och värd att tänka på genom poetik av ljus och rörelse, som uttrycktes genom synliga och känslomässiga penseldrag.
Det var inte en realistisk representation - det var inte intressant längre på grund av fotografering - men det var rikt och gav nytt liv till det vanliga.
Några andra konstnärer tog samma uttrycksprinciper genom färg och textur och utforskade dem ännu längre, utan att vara rädda för att verkligen förvränga ämnet för att verkligen förmedla sin subjektiva upplevelse av verkligheten. De kallade det Expressionism.
%252C_oil_on_canvas%252C_71.1_x_55.9_cm%252C_Tate_Modern%252C_London.jpeg)
Sedan, fler artister, och några av samma, bestämde sig för att gå och också utforska livets och tillvarons subjektivitet, men genom att förvränga tidskontinuumet, smälter samman förflutna med nutid och framtid på ett visuellt sätt. Trippiga grejer, rätt? Det är Kubism för dig.
Kommer ni ihåg den industriella revolutionen? Teknologisk tillväxt var exponentiell, och det var också människors fascination för den. Denna grupp killar tog upp kubismens begrepp om tidsböjning och uppskattade framtidens estetik som det enda som betydde.
Hastighet, teknik, ungdom, våld, industrialism, nationalism, vad som helst, Futurister var inne på det.
Redan Surrealism handlade om att komma in i de glänsande helt nya freudianska teorierna som resulterade i några ganska intressanta utforskningar av det undermedvetna.
Vissa skulle göra det genom sin teknik, på samma sätt som expressionisterna, andra skulle göra det genom att spela in sina första tankar efter att ha vaknat upp från en dröm, andra skulle bara gå för att rita det första som skulle korsa deras sinne, i ett försök att agera så omedvetet som möjligt medan du är vaken.
I grund och botten tanken var att ta självuttryck till nästa nivå för att få alla potentiellt pinsamma och riktigt djupa saker där ute.
These explorations went on and on until some reached absolute abstraction. Some artists, like Kandinsky who was a musician himself, got inspired by the possibility of shapes and associative color resounding in one’s self.
In the middle of this cluster of art movements, along came Dadaists for the necessary reality check, to keep everyone on their toes. They pretty much questioned everything art-related, the hardcore way.
Imagine the following: it’s 1917 and there’s a sculpture in the middle of an exhibition that is named “Fountain” and it is basically a laying urinal. The visitors didn’t take it lightly and got very angry. Probably, that was exactly the point.
Dadaists forced everyone to question aesthetics and beauty, broke constraints, revolted against elitism and separated words from their meaning. Ultimately, they made everyone think about the definition of art, and how maybe “beauty” and “harmony” weren’t necessarily requisites.
This same questioning of the idea of harmony and classical beauty extended to all fields of art, by the way. I’ve focused most of the examples and history in painting, but only because it is the easiest to exemplify and compare in an article.
But many interesting things happened in music, like how all of a sudden you could break the scales and match notes that before would be considered an awful combination. Dancing wasn’t so focused on elegance anymore, and allowed itself to be raw and unpleasant when it was warranted.
Breaking the moulds of classical and romantic aesthetics came to be a great way of having access to a broader range of emotions, ideas, and ways of expression.
So as time passed, there was an exponential growth in art production and, consequently, in the number of art movements and streams of thought. So many that people just started calling it Contemporary Art, since the term refers to the art which is produced at the present period of time.
There were dozens, if not hundreds, of artistic movements happening, but one that came around that time and is worth mentioning was “Conceptual Art”: the idea or concept is the most important aspect of the work.
After many centuries focused on execution, here it became careless and superfluous, and the focus was on the planning and decision making done beforehand.
One good example of Conceptual Art is the 1988 Maurizio Bolognini’s installation art “Programmed Machines”, where personal computers were programmed to generate flows of continuously expanding random images and left to run ad infinitum (most of these are still working now).
When being confronted with such kind of art pieces, it would be the moment where typically everyone rolls their eyes and hates on Contemporary Art.
Hopefully, I’ve managed to pass enough information to at least make you think twice instead of immediately dismissing such works. And truthfully, I hope I managed to open your minds and help you understand that art doesn’t have to be pretty or pleasant to experience.
Art doesn’t need to be a deeply emotional or intellectual experience that immediately sweeps you off your feet. If anything, the experience you have with art depends more on how you choose to interact with it, than on its own characteristics.
You bring along all your knowledge and life baggage and, in the end, enjoying art will be your own subjective experience, and you choose how deep you want to go.
“Art begins when a man, with the purpose of communicating to other people a feeling he once experienced, calls it up again within himself and expresses it by certain external signs.”
— 1897 / What is art by Tolstoy, p.38
“We all know that art is not truth. Art is a lie that makes us realize truth.”
— 1972 / Pablo Picasso quoted in Dore Ashton’s Picasso on Art
“Ideas alone can be works of art… All ideas need not be made physical… A work of art may be understood as a conductor from the artist’s mind to the viewer’s. But it may never reach the viewer, or it may never leave the artist’s mind.”
— 1994 / Sol LeWitt quoted in Art and Its Significance by Stephen David Ross
“Whether Mr. Mutt with his own hands made the fountain or not has no importance. He chose it. He took an ordinary article of life, placed it so that its useful significance disappeared under a new title and point of view (and) created a new thought for the object.”
— 1917 / The Blind Man, 2nd issue, by Marcel Duchamp, Beatrice Wood and Henri-Pierre Roché
Found this article useful? You might like these ones too!
Jag är UI & produktdesigner, illustrationskonstnär och målare. Känd för min kärlek till skräpiga strandhanddukar, musikproduktion, typografi och alla typer av pizza.
Människor som läste det här inlägget tyckte också att dessa var intressanta:
