Läser föregående kapitel kommer att göra denna text mycket mer förståelig, men om du verkligen måste hoppa över den, Här är lite sammanhang: Jag bestämde mig för att Det bästa sättet att förklara vad som är konst är att förstå lite historia, lite filosofi och lite teknik.
Inte för att det ger dig ett tydligt svar, utan för det kommer att ge dig ett legitimt kritiskt tänkande. Och då, vem vet, du kanske till och med har informerade åsikter.
Efter att konstnärliga epoker under många århundraden definierats av politiska, sociala och ekonomiska sammanhang snarare än av individuell smak, skedde en gradvis förändring i hur information inhämtades och delades.
Den vetenskapliga metoden befäste kunskapsinhämtningen och den industriella revolutionen förändrade förutsättningarna för hur människor levde och arbetade. Den efterföljande framväxten av en medelklass banade väg för utbildning för betydligt fler människor – vilket satte stopp för en del av den elitism som fram till dess präglat utbildningsväsendet.
Man lever längre, man lever bättre, man vet mer och kreativiteten föds. Det var vad som hände för långt fler människor än under tidigare århundraden, som präglats av brist, krig och/eller religiös extremism.
Det var så här konsten blev mer demokratisk och därmed mer tillgänglig för individuella, personliga och känslomässiga uttryck.
Zeitgeist är den dominerande uppsättning ideal och övertygelser som motiverar medlemmarna i ett samhälle under en viss tidsperiod och det översätts ordagrant från tyskan som "tidsanda".
Georg Hegel använde aldrig ordet själv, men i verk som Föreläsningar i historiefilosofi, skriver han följande:
"Ingen människa kan höja sig över sin egen tid, ty hennes tids ande är också hennes egen ande." — Georg Hegel
Denna idé är nära kopplad till hur Hegel såg på konst. I detta paradigm, allt en konstnär skapar kommer att spegla sin tids kultur. Konstnären är en oundviklig produkt av sin tid och kommer därför att föra in den kulturen i sin konst.
Zeitgeist-teorin ställer sig i skarp kontrast till en 1800-talsteori av Thomas Carlyle kallad Great Man Theory, där individer besitter de egenskaper som gör dem till stora ledare.
Dessa egenskaper, i kombination med gudomlig inspiration, gör att de kan nå maktpositioner och därmed forma historien.
"Världshistorien är inget annat än biografin över stora män." — Thomas Carlyle
Tolstoj köpte inte det resonemanget och i sin bok Krig och fredbetraktar han betydelsen av stora individer som inbillad: de är blott slavar under historien. Herbert Spencer gick så långt att han beskrev Carlyles idéer som hopplöst primitiva, barnsliga och ovetenskapliga.
Ärligt talat, vilar teorin om den store mannen på antagandet om oväsentliga och medfödda färdigheter, och ignorerar det stora pussel som utgör vårt universum. Den ignorerar hur allt är en konsekvens av en konsekvens av en konsekvens.
Och låt oss inte ens gå in på begreppet "fri vilja" i det här inlägget – vi måste se upp för det kaninhålet.
Detta innebär i grund och botten att konst, rent logiskt, inte kan vara något esoteriskt som uppstår ur vissa individers fantastiska förmågor, eller föds ur ren lycka, fantastisk "talang" eller medfödd skicklighet hos några få lyckligt lottade personer.
Man skulle till och med kunna säga att "skicklighet" är ett mycket relativt begrepp när det kommer till konst. Det antyder teknisk behärskning, men olika nivåer av teknisk kunskap har format konsten ända sedan dess begynnelse, och det är därför "skicklighet" eller "teknik" är mycket opålitliga måttstockar för kvalitet.
Låt oss ta ett mycket grundläggande begrepp som linjärperspektiv eller, enkelt uttryckt: hur föremål ser ut att bli mindre ju längre bort de befinner sig.
Studiet och den geometriska utforskningen av detta inom bildkonsten påbörjades först under 1300-talet under den italienska renässansen, och det tog fortfarande tid innan det fulländades och förståddes på rätt sätt.
Denna tekniska förståelse blev tydlig i allt konstnärligt arbete från och med då, medan alla grafiska verk som producerades före den tiden bevarade denna nästan bisarra aura av misslyckade försök att vara tredimensionella.
Men var det ett misslyckande? Eller var det så att realism i avbildning helt enkelt inte var ett ideal vid den tidpunkten? Vad kom först: behovet av realistisk grafisk avbildning eller teknikerna som gjorde det möjligt att producera den? Spelar det någon roll om man skapar utifrån förmåga eller utifrån val? Är teknik en kvalitetsstandard inom konst?
Ta till exempel grekiska vaser. De är svarta med djupt orangea figurer och dekorationer. Många anser att det är ett vackert konstverk med en fantastisk färgkombination som har en minimalistisk men ändå mystisk och fängslande effekt, uppnådd genom berättelserna som bilderna förmedlar.
Och så har vi kinesiskt porslin. Det är färgstarkt, delikat, dess teckningar är rika på detaljer och figurerna förflyttar oss till en kultur fylld av intressant mytologi.
Tyvärr har jag inte studerat dem lika djupt som den hellenistiska civilisationen, så jag kan inte berätta så mycket om när och varför dessa vaser skapades.
Men jag kan säga så här: de grekiska vaserna är svarta och djupt röda, inte tack vare bläck, utan tack vare ett material som när det appliceras på ytan gör leran svart efter bränning. Det handlar inte om att välja färger.
Var det tekniken som dikterade estetiken eller var det tvärtom? Var det en självvald begränsning, eller var det den tekniska begränsningen som skapade stilen? Är det kinesiska porslinet överlägset eftersom dess utmärkande drag är resultatet av en mer mångsidig och tekniskt avancerad metod? Är det ena mer konst än det andra?
Slutligen: målade Pablo Picasso en kvinna på det sättet för att han inte visste hur man gör det realistiskt, eller var det ett medvetet val? Jag kan säga så mycket som att han var mycket väl förtrogen med realistiskt måleri (se bild nedan), men är närvaron eller frånvaron av valmöjligheter någon form av bekräftelse på konstnärligt uttryck?
Det är en farlig princip att följa, eftersom den kan ogiltigförklara allt arbete som utförts under omständigheter som begränsar den fria viljan, såsom teknisk kunskap, pengar, tid och mycket annat. Om du ser tillbaka på allt du hittills lärt dig om konsthistoria kommer du att finna att allt har begränsningar, och att konsten har formats av material, tekniker, religion, samhälle och mycket mer. Allt har formats av tidsandan.
Att använda frånvaron eller närvaron av val som måttstock för kvalitet innebär att man ogiltigförklarar många verk genom hela den moderna och antika historien. Konstverk där du inte hade en aning om hur problematiska deras skapandeprocesser var – från tekniska begränsningar, materialbrist, budget och personlighetskrockar till psykisk ohälsa, om man så vill.
Så när upplysningstiden var över (vars slut inleddes i början av 1800-talet), gick vi in i det relativistiska tänkandet och det fanns inte längre någon besatthet av en ”realistisk” grafisk avbildning av världen. Och det är då konsten blir mer komplicerad.
Kommer du ihåg romantiken där allt handlade om nostalgi, romantik, storslagenhet och en koppling till naturen och historien?
Några år senare bestämde sig vissa målare för att fokusera på vardagslivets igenkännbara verklighet under en rörelse som kallas impressionism. Det banala kunde vara vackert och värt att betrakta genom ljusets och rörelsens poesi, som uttrycktes genom synliga och känslosamma penseldrag.
Det var ingen realistisk avbildning – det var inte längre intressant på grund av fotografiet – men det var fyllt av liv och gav det vardagliga en ny innebörd.
Andra konstnärer tog dessa principer om uttryck genom färg och textur och utforskade dem ännu mer, utan att vara rädda för att verkligen förvränga motivet för att på riktigt förmedla sin subjektiva upplevelse av verkligheten. De kallade det Expressionism.
%25252C_oil_on_canvas%25252C_71.1_x.webp)
Sedan bestämde sig fler konstnärer, och några av de tidigare, för att även utforska livets och existensens subjektivitet, men genom att förvränga tidskontinuumet, där dåtid, nutid och framtid smälte samman på ett visuellt sätt. Flummigt, eller hur? Det är kubism för dig.
Kommer du också ihåg den industriella revolutionen? Den tekniska utvecklingen var exponentiell, och det var även människors fascination för den. Den här gruppen tog fasta på kubismens koncept om att böja tiden och hyllade framtidens estetik som det enda som betydde något.
Fart, teknik, ungdom, våld, industrialism, nationalism, ja, allt möjligt, futuristerna var inne på det.
Redan Surrealism handlade om att utforska de då helt nya freudianska teorierna, vilket ledde till en hel del intressanta djupdykningar i det undermedvetna.
Vissa gjorde det genom sin teknik, likt expressionisterna, andra genom att skriva ner sina första tankar efter att ha vaknat ur en dröm, och vissa ritade helt enkelt det första som föll dem in, i ett försök att agera så omedvetet som möjligt i vaket tillstånd.
I grund och botten handlade det om att ta självuttrycket till en ny nivå och få ut allt det där som var potentiellt pinsamt och genuint djupt.
Dessa utforskningar fortsatte tills vissa nådde total abstraktion. Vissa konstnärer, som Kandinsky, som själv var musiker, blev inspirerade av hur former och associativa färger kunde få det inre att vibrera.
Mitt i denna röra av konströrelser dök dadaisterna upp för en välbehövlig verklighetskoll, för att hålla alla på tårna. De ifrågasatte i princip allt som rörde konst, på ett kompromisslöst sätt.
Föreställ dig följande: det är 1917 och mitt i en utställning står en skulptur med titeln ”Fountain” som i princip bara är en liggande urinoar. Besökarna tog inte lätt på saken och blev mycket upprörda. Det var förmodligen precis det som var meningen.
Dadaisterna tvingade alla att ifrågasätta estetik och skönhet, bröt mot konventioner, gjorde uppror mot elitism och frikopplade ord från deras betydelse. I slutändan fick de alla att fundera över definitionen av konst, och huruvida ”skönhet” och ”harmoni” kanske inte nödvändigtvis var några krav.
Samma ifrågasättande av idén om harmoni och klassisk skönhet spred sig för övrigt till alla konstformer. Jag har fokuserat på måleri i de flesta exempel och historiska tillbakablickar, men bara för att det är enklast att exemplifiera och jämföra i en artikel.
Men mycket intressant hände även inom musiken, som hur man plötsligt kunde bryta mot skalorna och kombinera toner som tidigare ansetts låta förfärligt. Dansen fokuserade inte längre lika mycket på elegans, utan tillät sig att vara rå och obehaglig när det behövdes.
Att bryta sig loss från klassiska och romantiska estetiska ramar blev ett fantastiskt sätt att få tillgång till ett bredare spektrum av känslor, idéer och uttryckssätt.
Med tiden skedde därför en exponentiell tillväxt i konstproduktionen och, som en följd av detta, i antalet konströrelser och tankeströmningar. Så många att man helt enkelt började kalla det för samtida konst, eftersom termen syftar på den konst som skapas i vår egen tid.
Det fanns dussintals, om inte hundratals, konstnärliga rörelser som uppstod, men en som dök upp vid den tiden och som är värd att nämna var ”konceptkonst”: idén eller konceptet är verkets viktigaste aspekt.
Efter många århundraden med fokus på utförandet blev det här oviktigt och överflödigt, och fokus låg istället på planeringen och besluten som fattats i förväg.
Ett bra exempel på konceptkonst är Maurizio Bologninis konstinstallation ”Programmed Machines” från 1988, där persondatorer programmerades för att generera flöden av ständigt expanderande slumpmässiga bilder och lämnades att köras ad infinitum (de flesta av dessa fungerar fortfarande idag).
När man ställs inför den här typen av konstverk är det vanligt att folk himlar med ögonen och avfärdar samtida konst.
Förhoppningsvis har jag lyckats förmedla tillräckligt med information för att du åtminstone ska tänka efter en extra gång istället för att omedelbart avfärda sådana verk. Och ärligt talat hoppas jag att jag lyckats öppna era sinnen och hjälpa er förstå att konst inte behöver vara vacker eller behaglig att uppleva.
Konst behöver inte vara en djupt emotionell eller intellektuell upplevelse som omedelbart sveper med dig. Om något, så beror din upplevelse av konst mer på hur du väljer att interagera med den än på dess egna egenskaper.
Du tar med dig all din kunskap och din livserfarenhet, och i slutändan är konsten en helt subjektiv upplevelse, och det är du som väljer hur djupt du vill gå.
”Konsten börjar när en människa, i syfte att förmedla en känsla hon en gång upplevt till andra människor, frammanar den på nytt inom sig själv och uttrycker den genom vissa yttre tecken.” — 1897 / Vad är konst av Tolstoj, s.38
”Vi vet alla att konst inte är sanning. Konst är en lögn som får oss att inse sanningen.” — 1972 / Pablo Picasso citerad i Dore Ashtons Picasso on Art
”Idéer i sig kan vara konstverk… Alla idéer behöver inte göras fysiska… Ett konstverk kan förstås som en ledare från konstnärens sinne till betraktarens. Men det kanske aldrig når betraktaren, eller så lämnar det kanske aldrig konstnärens sinne.” — 1994 / Sol LeWitt citerad i Art and Its Significance av Stephen David Ross
”Om herr Mutt med egna händer gjorde fontänen eller inte spelar ingen roll. Han valde den. Han tog ett vardagligt föremål, placerade det så att dess praktiska betydelse försvann under en ny titel och ett nytt perspektiv, (och) skapade en ny tanke kring föremålet.” — 1917 / The Blind Man, 2:a utgåvan, av Marcel Duchamp, Beatrice Wood och Henri-Pierre Roché
Tyckte du att artikeln var användbar? Då kanske du gillar dessa också!
Jag är UI & produktdesigner, illustrationskonstnär och målare. Känd för min kärlek till skräpiga strandhanddukar, musikproduktion, typografi och alla typer av pizza.
People who read this post, also found these interesting:
